Art Revival
  • Le blessé par Constantin Meunier
  • Le blessé par Constantin Meunier
  • Le blessé par Constantin Meunier
  • Le blessé par Constantin Meunier
  • Le blessé par Constantin Meunier
  • Le blessé par Constantin Meunier
  • Le blessé par Constantin Meunier
  • Le blessé par Constantin Meunier
  • Le blessé par Constantin Meunier
Le blessé par Constantin Meunier

3800 €


Le blessé, sculpture en bronze par Constantin Meunier, signé C. Meunier et Atelier 59, rue de l'Abbaye. Constantin Meunier est une figure majeure de l'art de la seconde moitié du XIXème siècle. Formé à l'Académie royale des Beaux-Arts à l'atelier du sculpteur Louis Jehotte, il commence sa carrière en tant que peintre, certainement conseillé par son ami Charles de Groux, chantre de la peinture réaliste en Belgique. Ce sont deux excursions dans les régions minières de Belgique qui vont profondément marqués son art. Les conditions de travail très difficile des ouvriers le bouleversent. En introduisant la figure des ouvriers dans le monde des Beaux-Arts, Constantin Meunier les érigent en icône de la modernité, leur conférant une dimension inédite qui inspirera de nombreux artistes dans son sillage.     for sale in Peinture et Sculpture | Art Revival

Request for more information
See more items of this dealer
Print
Art Revival
Address:
15, rue du Fort ,
1060 Bruxelles
Region: Brussel
Country: Belgium
Tel.: +32 (0)4 56 24 15 43
E-mail: artrevivalsarl@gmail.com
Website: www.artrevival.eu
Portrait de jeune femme de profil par David Oyens

Portrait de jeune femme de profil par David Oyens

Portrait de jeune femme, aquarelle par David Oyens

David Oyens (1842-1902) est issu d'une famille de banquiers d'Amsterdam. Lui et son frère jumeau Pieter sont encouragés par leur mère à suivre un enseignement artistique. En 1860, ils s'installent à Bruxelles et entrent dans l'atelier du peintre Jean-François Portaels. Ils partagent un atelier à Saint-Josse-ten-Noode et travaillent souvent côte à côte, posant l'un pour l'autre.
Ils se spécialisent dans les portraits, les scènes de genre et les intérieurs bourgeois, souvent empreints d'une intimité douce et d'une atmosphère feutrée. Camille Lemonnier, célèbre critique et poète, ne fut pas le seul à louer leur travail car David remporte en 1880 une médaille d'or au Salon Triennal de Bruxelles.
Ils reçoivent de nombreuses commandes, exposent à l'Exposition Universelle de 1889 et certaines de leurs oeuvres entrent dans les collections publiques.
David Oyens peint inlassablement depuis son atelier cette « frivolité mélancolique » propre à la vie bourgeoise du XIXᵉ siècle. Son univers pictural évoque une certaine forme de dandysme où l'attention au geste, à la tenue et au raffinement s'expriment aussi bien dans les sujets que dans le traitement de son art.

L'aquarelle représente une jeune femme de profil, saisie dans une attitude calme et recueillie, esquissant un léger sourire. Le cadrage serré renforce l'intimité de la scène et la proximité avec le modèle.
L’oreille, placée au cœur de la composition et nuancée d’une subtile chaleur rosée, devient le point d’ancrage du portrait : symbole discret d’attention et de présence, elle contraste avec le modelé du visage qui se dissout dans un lavis doux et vaporeux.

Dimensions du cadre : 38x34cm

 

for sale in Dessin et Arts graphiques | Art Revival
Cache-pot par André Metthey

Cache-pot par André Metthey

Cache-pot à fond ocre par André Metthey

Figure majeure du renouveau de la céramique française au tournant du XXème siècle, André Metthey occupe une place importante dans l'histoire des arts décoratifs.
Il débute à un jeune âge chez un marbrier et suit des cours de dessin industriel aux Beaux-Arts de Dijon avant de gagner Paris avec sa famille. En 1901, il s'installe à Asnières où il mène des recherches pionnières sur les émaux, la couleur et la terre cuite vernissée.
Vers 1906 et sous l'impulsion du marchand Ambroise Vollard, l'idée d'éditer des céramiques artistiques en collaboration avec de nombreux artistes fauves émerge. Son atelier accueille ainsi Matisse, Derain, Vlaminck ou encore Rouault qui donnderont de remarquables épreuves en céramique, répondant au besoin du temps, de brouiller la frontière entre arts majeurs et décoratifs.
En 1909, il obtient la consécration avec une exposition personnelle au Musée Galliera et une réception très favorable par la critique, qui l'encourage dans sa passion du feu.

Le cache-pot que nous présentons est typique des recherches esthétiques d'André Metthey des années 1909-1914 où il perfectionne ses terres vernissées. Sur un fond ocré, se déploient un feuillage stylisé en de couleur rouge, entrecoupé de coulures d'émail noir. Ce registre décoratif, à la fois libre et maîtrisé, atteste de l’attention de Metthey pour les ornements répétitifs inspirés autant des arts populaires que de l’esthétique moderniste.

Notre cache-pot est à rapprocher de celui du Musée de la Ville de Grenoble, inv. MG2272 issu du legs Aguttes-Sembat en 1923

 

 

for sale in Arts décoratifs et mobilier | Art Revival
La clairière par Georges de Feure

La clairière par Georges de Feure

La clairière par Georges de Feure, techniques mixtes sur papier, signé de Feure en bas à droite.

 

Georges de Feure (1868–1943), né Georges Joseph van Sluÿters, compte parmi les créateurs les plus raffinés de l’Art nouveau français. Peintre, décorateur, affichiste et concepteur de mobilier, il accède à une notoriété internationale grâce à sa participation au Pavillon de l’Art Nouveau de Siegfried Bing lors de l’Exposition universelle de 1900. Son œuvre, profondément marquée par le symbolisme, se distingue par une poésie subtile, des atmosphères vaporeuses et une sensibilité décorative unique.

La présente aquarelle, figurant une clairière traversée d’une lumière diaphane, illustre parfaitement cette recherche d’atmosphères oniriques. Par le jeu délicat des lavis, les transparences superposées et les harmonies de verts et de bleus, de Feure crée un paysage presque immatériel, où la nature semble s’éveiller en silence. Plus qu’un simple motif naturaliste, cette clairière s’inscrit dans l’univers symboliste de l’artiste : un espace suspendu, enveloppé de mystère et propice à la rêverie.

Dimensions du cadre : 47x48 cm

for sale in Dessin et Arts graphiques | Art Revival
Vase aux étoiles par Jules Habert-Dys

Vase aux étoiles par Jules Habert-Dys

Vase en verre soufflé et gravé d’après un modèle de Jules Habert-Dys, réalisé dans les ateliers de la verrerie de Pantin. La forme ovoïde, surmontée d’un col élancé, est mise en valeur par un délicat dégradé allant du gris bleuté satiné au brun chaud.

Le décor, obtenu par dégagement à l’acide et taille dans le verre, présente une frise d’étoiles à huit branches sous le col, suivie d’une succession de motifs texturés et légèrement en relief..

for sale in Arts décoratifs et mobilier | Art Revival
Vase aux chardons par Jules Habert-Dys

Vase aux chardons par Jules Habert-Dys

Jules Habert-Dys, né à Fresnes (Loir-et-Cher) en 1850, commence sa carrière par un apprentissage chez un peintre en bâtiment avant d’intégrer l’atelier du céramiste Ulysse Besnard. Installé ensuite à Paris, il suit l’enseignement de l’École des Beaux-Arts, dans l’atelier du peintre Jean-Léon Gérôme. Il travaille par la suite pour la manufacture de porcelaine de Charles Haviland, où il rencontre Félix Bracquemond, figure essentielle du renouveau des arts décoratifs.

Artiste d’une rare polyvalence — peintre, graveur, décorateur — Habert-Dys se distingue par un style naturaliste très personnel. Il conçoit des créations dans de nombreux domaines : céramique, émail, verre, mobilier ou encore orfèvrerie. Parmi ses œuvres les plus célèbres, citons le coffret à bijoux conservé au Musée d’Orsay, remarquable par la combinaison d’émail, d’orfèvrerie et d’ébénisterie.

Le vase que nous présentons offre un subtil dégradé du gris bleuté au niveau du col vers un brun chaud à la base. Le décor, obtenu par dégagement à l’acide et taille dans le verre, représente des chardons — un motif emblématique du mouvement Art nouveau, dont Habert-Dys fut l’un des grands dessinateurs.

Ce vase illustre parfaitement la recherche d’un art décoratif total et accessible, sublimé par le talent d’un artiste virtuose entièrement dédié à la beauté de la nature.

for sale in Arts décoratifs et mobilier | Art Revival
Plat par Fernand Thesmar

Plat par Fernand Thesmar

Fernand Thesmar (1843-1912) se forme au dessin industriel à Mulhouse puis gagne Paris où il dessine des cartons de tapisserie, travaille dans l'atelier de Ferdinand Barbedienne. Il expose aux Salons des objets émaillés qui vont connaitre de grand succès, surtout à l'Exposition Universelle de Vienne de 1873. Il quitte l'atelier de Barbedienne pour travailler à son compte et collabore à partir de 1891 à la Manufacture de Sèvres.
La consécration est atteinte en 1895 en recevant la Croix de Chevalier de la Légion d'Honneur et l'Exposition Universelle de 1900 où il expose dans la vitrine de la Manufacture de Sèvres et la sienne.

Le plat que nous présentons illustre une hirondelle en plein vol sur fond d’or, au-dessus d’une mer émaillée aux nuances turquoise et bleu profond. La composition, d’une grande finesse graphique, témoigne de la maîtrise absolue de Thesmar dans l’art de l’émail translucide et dans l’utilisation de couleurs vibrantes.

for sale in Arts décoratifs et mobilier | Art Revival
Vase aux oiseaux par Fenriette Marty

Vase aux oiseaux par Fenriette Marty

Henriette Marty est la fille d’Alexandre Marty, émailleur ayant travaillé au sein de l’atelier de Camille Fauré. Ensemble, ils participèrent activement au renouveau de l’émail de Limoges dans les années 1920–1930, leurs créations étant exportées dans le monde entier.

Le vase présenté est décoré de trois oiseaux stylisés évoluant sur un ensemble de motifs ondulés caractéristiques de l’Art Déco. Les couleurs, vibrantes et profondément saturées, mettent parfaitement en valeur la composition.

Une pièce élégante, représentative du savoir-faire des Marty et d’un décor peu courant dans leur production.

 

 

for sale in Arts décoratifs et mobilier | Art Revival
Météores par Yves Brayer

Météores par Yves Brayer

Météores, gouache sur papier par Yves Brayer, signé en bas à droite.

Yves Brayer (1907–1990) découvre très jeune les paysages méditerranéens, dont la lumière marquera profondément son œuvre. Grand voyageur, il parcourt tout au long de sa carrière l’Italie, l’Espagne, la Grèce ou encore le Mexique, d’où il rapporte de nombreux dessins et gouaches réalisés sur le vif.
Formé aux académies de Montparnasse et de la Grande Chaumière, il s’impose rapidement dans la vie artistique parisienne de l’entre-deux-guerres. Lauréat du Prix de Rome, il séjourne à la Villa Médicis et développe parallèlement la gravure, la lithographie et l’illustration d’ouvrages littéraires.

La gouache représente les Météores, ces monastères grecs perchés sur des falaises. Yves Brayer fut certainement fasciné par ces chefs d'oeuvres architecturaux et il a laissé plusieurs oeuvres en rapport. La sensation de hauteur et de vertige est particulièrement bien rendue et souligne le génie de l'artiste dans la restitution des lumières et des paysages.

 

for sale in Dessin et Arts graphiques | Art Revival

Vase Minton Secessionist

Vase Minton Secessionist

Vase Minton Secessionist.
Ce vase appartient à la série dite Secessionist, créée au début du XXᵉ siècle par la manufacture Minton. L’arrivée de Leon Solon dans l’entreprise à la fin des années 1890, puis sa collaboration avec John Wadsworth, apporte un renouveau décisif au vocabulaire esthétique de la firme. Ensemble, ils introduisent dans la production les influences de l’Art nouveau continental et de la Sécession viennoise, donnant naissance à une ligne audacieuse et résolument moderniste.

Le modèle que nous présentons, à décor de feuillages stylisés, se distingue par ses couleurs vertes, rouges et blanches, mises en valeur par un décor en tube-lining (ou pâte sur pâte en relief), technique emblématique de la série. Ce motif est attesté dans les premières années de la production Secessionist : un modèle au décor similaire — mais de forme différente — figure d’ailleurs dans le catalogue Secessionist de 1902, témoignant de la diversité des variantes proposées par Minton autour d’un même thème décoratif.

 

 

for sale in Arts décoratifs et mobilier | Art Revival
Sujet Poisson par Pablo Picasso

Sujet Poisson par Pablo Picasso

Sujet Poisson par Pablo Picasso, pichet tourné en terre de faïence rouge, décor aux engobes, tiré à 500 exemplaires. Inscrit "Edition Picasso Madoura" et tampons "Edition Picasso" et "Madoura" sous la base, restautation au bec.

Après la Seconde Guerre Mondiale, Picasso s'intéresse de plus en plus à la sculpture et à la céramique et à partir de 1946 il collabore avec l'atelier Madoura qui devient l'éditeur exclusif de son oeuvre céramique.
Picasso laisse un important ensemble de créations, où la poésie et le génie expressif de l'artiste se conjuguent, comme dans ce sujet poisson que nous présentons. Sublime rapport entre l'utilitaire, le pichet, et le sujet, le poisson et tension entre contenant et contenu. Picasso choisit la terre rouge et un décor noir, allusion évidente à l'art de la céramique antique, particulièrement grecque. La forme épurée illustre sa recherche constante de dépouillement et de vérité formelle ; ce qu'il résumait par cette phrase célèbre : "Il m'a fallu toute une vie pour dessiner comme un enfant".
Ce minimalisme "picassien", à la fois archaïque et poétique, trouve dans la céramique un terrain d’expression privilégié.
Dans ce pichet-poisson, Picasso transcende l’objet utilitaire pour en faire une icône à la croisée des arts décoratifs et des beaux-arts.

 

for sale in Peinture et Sculpture | Art Revival
Le joueur de flûte par Nicolas Eekman

Le joueur de flûte par Nicolas Eekman

Le joueur de flûte, gravure par Nicolas Eekman, numéroté 12/50 et signé Eekman au crayon de papier.

for sale in Dessin et Arts graphiques | Art Revival